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黑与白,最简单,也是最复杂的设计

2018-04-13 13:55:44 来源:  作者:
摘要:黑白纯粹主义美学在2018年再度席卷而来,在时装、潮流、艺术、音乐、科技等领域,大量基于极简主义黑白美学作品出现。是不是我们的生活太过“精彩”了,所以看似无聊的经典审美又

黑白纯粹主义美学在2018年再度席卷而来,在时装、潮流、艺术、音乐、科技等领域,大量基于极简主义黑白美学作品出现。是不是我们的生活太过“精彩”了,所以看似无聊的经典审美又成为了趋势?今天我们就来用一个特别的视角,来了解一下这股叛逆于社交网络和滤镜强迫症时代下的黑白浪潮。

黑白线条 | 永不消逝的时装主题

谈到以线条、几何图形和黑白两色这样古典美术方式创作时装的设计师,人们一定会想到很多名字——西方有Chanel和Giorgio Armani这样的殿堂级品牌,而在东方则有否极泰来的山本耀司,不过如果仅仅以创造美学系统而把黑白二元化,人们一定会在脑中勾绘出一个特别的场景——远处,如同裸眼立体画一般的形象向你走来,这就是Gareth Pugh

▲ Gareth Pugh,一位天才设计师,每个走入他的视觉迷宫的人,都会深深陷入进去

如今已经不再是深受媒体和前卫时装人追捧的Gareth Pugh的黄金年代了,尽管他在今年2月刚刚发布的全新秋冬系列以暗黑和大廓形收获了不少好评,但是人们对他的印象还是停留在他最开始出现的那几年。

2006年,当Gareth Pugh发布了他的第一季成衣作品时,人们被他玩弄视觉艺术的作品震惊了,这个系列只用了黑白两个颜色和简单的几何图形,就创造了一个如此丰富的视觉。那个时候,Gareth Pugh还没有自己的工作室,他一个人,没有资金,没有助手,完成了自己前卫时装语言的探索开端。

▲ 欧普艺术的视觉形式加上PVC、塑料、乳胶等新材料的组合,构成了近期Gareth Pugh的设计重点

帮助Gareth Pugh凸显黑白格纹的,是他所创作的具有挑战性的廓形,在这些前卫的结构下,实际上是他构建的视觉艺术游戏。早在上世纪中叶,就有不少艺术家发现了这个秘密,通过黑白对比与几何图形的交错,可以创造出超越单色的视觉效果。当年的欧普艺术(Op Art)在今天仍被应用到诸多领域,而时装设计就是其中重要的一环。Gareth Pugh说:“有时候我讨厌自己的想象力,因为只要我想了什么鬼主意,就会迫使自己去做出来。”

▲ Junya Watanabe 的2018年春夏成衣系列

直到今天,黑白对色的经典视觉语言仍然不乏继承人——Balmain的2018年春夏系列结合了印刷设计语言,通过黑白双色创造了一个极多主义(Maximalism)的当代经典审美范本;而Junya Watanabe则继续了他多年的黑白实验,同样通过欧普艺术的方式,用黑白两色创造了花样繁复的印花;Haider Ackermann也在这一季玩起了古典主义的黑白对撞,他的方法是干脆进行二元对撞,充满了戏剧性。

▲ 时装在今天成为了最被关注的审美舞台,而人们却不太在意它来自何处

无论是将黑白欧普艺术吃透了的Gareth Pugh,还是众多依旧在当下进行探索的设计师们,他们的审美源头都来自一群更有想象力的艺术家,而这正是人们对于视觉与生俱来的追求,因为黑白两色不仅仅影响了我们的视觉,还在听觉、触觉上改变着我们对于艺术的理解。

黑白双色带来的视觉奇观究竟是如何来的呢?

欧普艺术 | 从古典到当代进阶

欧普艺术产生于法国1960年代,这是一种在前计算机时代进行设计的视觉艺术。当年的艺术家们通过明亮的色彩、具有欺骗性的几何图形创造出“视觉错觉”,让人们在观看时达到眼球的“视觉高潮”,由于我们的双眼无法判断这些客观具体的图形,所以大脑也就被戏耍了。还记得小时候看过的三维立体画吗?差点不多就是这个意思。不过当欧普艺术成为一种艺术形式之后,这个游戏就变得更加有趣了。

▲ 欧普艺术运动中的代表人物Bridget Riley

1965年的时候,纽约MoMA举办了一场题为《反应之眼》(The Responsive Eye)的展览,其中陈列出大量经过精心设计、按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画, 这些作品给参观者以强烈的视觉刺激,达到了震撼人心的艺术效果。从Victor Vasarely到Bridget Riley,在数学与绘画高度结合的年代,人们为这样的视觉奇观感到震惊,不过随之而来的则是动画和视频艺术的崛起,人们开始不再对静态的视觉充满好奇了,那些可以移动的画面更加刺激人们的眼球。恰逢1960年代的迷幻艺术(Psychedelic Art)浪潮的短促兴衰,似乎属于欧普艺术的黄金年代就这样过去了。

▲ 1965年MoMA举办的《反应之眼》展览现场

就在MoMA举办《反应之眼》的这一年,在东德的卡尔·马克思市,有一个日后成为著名电子音乐人,同时也是艺术家的孩子出生了,这就是代号为Alva Noto的Carsten Nicolai。Alva Noto最为人熟知的是他的音乐与视频结合的作品,他在自己的唱片公司Raster-Noton所出版的一系列作品中将极简主义发挥到了极致。而现场演出的Alva Noto则使用一种特别的方式展示属于他这个时代对于视觉、听觉的幻想。

▲ Carsten Nicola和坂本龙一的合作计划——Alva Noto + Ryuichi Sakamoto

几年之前,我在北京采访了这位德国艺术家,我们不如先一起看看他眼中的视觉、声音艺术的发展历程。

健崔:你是音乐人还是艺术家?

CN:视觉艺术、声音艺术、以及其他,对我都是一体的。有一个问题是很多人来找我的时候,是因为出于音乐杂志、艺术杂志的报道,就会有很多人称呼我不同的身份。其实每个人都有不同的兴趣和不同的方面,这很正常,我就是通过不同领域来表达自己。

▲ Raster-Noton所出版的Alva Noto的唱片

健崔:多身份创作会让你感到迷失吗?

CN:很久以前,在文艺复兴时期,艺术家可不仅仅是艺术家,有时候还从事科学研究,还是工程师。现在的情况是,人类拥有太多的知识,导致专门化分工,人都被专业化了,这种专业分工和专业期待到处都是,从某种程度上来说:我所做的是非常古老的事情,人们觉得很新,实际上非常古老。

健崔:在电子音乐发展史中,对你来说最有趣的部分是什么?

CN:我想是技术吧,当电脑变成了多功能的乐器,你就不必买合成器了,我想这会改变未来的音乐制作。

▲ Carsten Nicolai与坂本龙一的演出现场

健崔:音乐的未来是怎样的?

CN:我们希望把目前的俱乐部从Party、跳舞、嗑药的方向中拽出来一点,拽回到音乐里… 当然我也同意我们应该享受派对、玩得开心。也许未来,在家里听音乐也可以感受到俱乐部气氛,因为无人可以预测技术的发展。

在此,Carsten Nicolai所预言的未来由于科技的进阶,可以在家中享受由听觉和视觉构成的跳动体验,便是下一个潮流,而就在中国,我们也看到了这样有趣的尝试。

▲ 声音艺术和视觉艺术的结合,成为了下一个黑白艺术创作的潮流

8声音之光 | Sonos的可视音乐实验

2018年,来自加州的家庭智能音响系统品牌Sonos与数字创意机构Super Nature Design,以及声音艺术家班磊(创作代号banbanbanban)合作完成了一部音乐可视化短片,题为《Ray of Sound》

这部动画的创意基于黑暗环境中的宇宙穿梭之旅,banbanbanban用声音碎片模拟漫游漂浮在宇宙中的物体,和物体间碰撞,分裂和快速交错的场景。 视觉表达上,Super Nature Design将声音元素视觉化和现象化——让声音通过黑白的视觉元素被观者看到,视觉元素交互变化、加速、环绕、与往返穿梭,勾画出了一次神秘的宇宙之旅

▲ 一个使用了Sonos 5.1 家庭影院系统的透明房间,来记录可视化视频在现实空间中的表张力。

短片中仅有黑白两色,加上抽象的几何图形,需要观赏者带着一颗好奇之心,来想像自己就是一艘宇宙飞船的舰长。与欧普艺术家的概念不同,Sonos用沉浸式的方式展示了视觉与声音的结合;也与Carsten Nicolai的极简主义艺术风格相异,《Ray of Sound》所展示的是一次通过科技完成的家中太空旅行。

▲ 短片通过黑白双色和声音构造了一个特别的数字宇宙

在这样的视听环境中,创作团队除了使用360度投影,将动画视觉投射在可被穿透的空间表层中,还使用5.1家庭影院系统——由一台PLAYBASE作为3.0声道,2台PLAY:5作为后环绕声道和1台低音炮SUB组成。作为科技尖端的科技品牌,Sonos不仅仅是一个出品满足互联网时代家庭收听音乐的厂商,它还是一个汇聚了无数梦想的创意平台

▲ 汇聚了最新科技和声音技术的Sonos PLAYBASE音响

2017年初,波士顿迎来了一场连续三天的大雪,我就是在这一天,在Sonos位于波士顿的研发中心看到了当时还没有公布的Sonos PLAYBASE。在现场,来自Sonos的声音工程师讲述了这台设备极为突破性的内部构造,当时给我带来的震撼让我想到——这样一台民用音箱可以在未来为艺术家们创造出无数的可能性

▲ 虚拟音乐团体Gorillaz与Sonos PLAYBASE展开的合作,

PLAYBASE也为不同领域的艺术家带来了创作灵感

其中的原因很简单——在过去,大量技术产品都没有精细的外观或更为轻薄的“体态”,这让很多声音艺术家都无法隐藏他们的声音音源,而Sonos PLAYBASE则打破了这个过去的症结,它出现在环境中时,很容易与环境融为一体,这样人们就会更容易全身心地投入到声音的魅力之中。

▲ Sonos家族全系列产品都是黑白两色的设计

实际上,黑白两色是Sonos全家族系列中的主要颜色,这两个颜色在一个世纪之前曾经创造了最丰富的音乐变化——来自钢琴,而在今天,Sonos则以科技的形式传承着经典的精神。在色彩丰富的年代,人们可以随意通过滤镜反映自己的心情,而黑白两色带来的游戏,可能要比五彩斑斓更加有趣。从欧普艺术的视觉舞蹈到时装设计的玩味精神,再到声音和视觉的激烈碰撞,这才是新的感知之门。

▲ 有机会一定要在这个空间里感受下——人造的黑白宇宙是怎样的

最后:不要错过这8位黑白艺术大师-----

1

电影|马修·卡索维茨《怒火青春》1995年

黑白电影有太多经典,这次选择的并不是黑白电影时代的作品,而是1995年马修·卡索维茨拍下的《怒火青春》(La Haine),原因则是影片中那些对于青少年生活的刻画——运动服、街道、汽车。这几年出色的黑白电影每年都会出现几部,刚刚看过《大佛普拉斯》的你是不是也想多找来一些看看?

2

漫画|伊藤润二《漩涡》1998-1999年

从漫画中寻找体现黑白视觉系统的出色作品太难,因为大部分日本漫画都是传统的单色,不过伊藤润二《漩涡》则有很多线索,尤其是对“漩涡”本身的刻画,充满了欧普艺术带来另外一种副产品的可能性,那就是——恐怖。

3

摄影|Sølve Sundsbø

来自挪威的摄影师Sølve Sundsbø以拍摄光影主题的作品为人熟知,原本注重于展示服装的时装摄影,在他的镜头之下,变身成为了另外的形态,那些投影到模特身体上的黑白几何图形投影就在这样的转化下,变成了一种不可触摸的布料。

4

戏剧|威廉·肯特里奇

来自南非的艺术家威廉·肯特里奇(William Kentridge)十分擅长用炭笔素描创作的政治题材绘画,但殊不知他也是一位剧场行动派。在设计剧场之外,肯特里奇也把戏剧搬到了他的工作台上。他用黑白纸板创作了一个微型舞台,通过投影、逐格拍摄等形式进行创作,在他的黑白世界中,是一个非常奇妙的小世界。

5

装置|丹尼尔·布伦《双平台》1985-1986年

法国艺术家丹尼尔·布伦(Daniel Buren)在全世界创作了不少公共空间的装置作品,其中位于巴黎小皇宫的作品《双平台》(Les Deux Plateaux)最为出名。《双平台》是一组黑白条形的圆柱形大理石雕塑,现在它们被人们亲切地称为“布伦柱”,260个高矮不一的圆柱,规则地散布在荣誉庭的空地上,形成了一种特别的视觉之景。

6

设计|Armin Hofmann

设计师Armin Hofmann是享誉世界的瑞士风格的代表人物,他的平面设计作品充满了个人标签,首先就是一直被他运用的黑白双色。作为设计教授的Armin Hofmann认为设计是需要进行图像与内容的沟通,所以那些被他自由缩放、巧妙结合字体空间进行变化的平面设计作品,成为了一个时代的经典。

7

音乐|Joy Division《Unknown Pleasures》1979年

这张由著名设计师Peter Saville为Joy Division设计的封面,取材自一张历史照片,这是人类发现的第一颗脉冲星CP 1919的脉冲信号,周期1.377秒。这个图形最后也成为摇滚乐历史上的经典,准确地反映了Joy Division音乐中令人痴醉的阴暗、忧郁、病态之美。

8

建筑|Zaha Hadid《巴赫室内音乐厅》2009年

为了一个专门演奏巴赫钢琴作品独奏的空间,Zaha Hadid在2009年为曼彻斯特国际艺术节创作了一个音乐厅,这是一个黑白两色的建筑,白色的主体建筑使用了Zaha Hadid最为人熟知的生物体的构造,音乐厅的座椅则来自Zaha Hadid的家居产品系列。这个黑白两色的临时建筑体通过颜色和巴赫的音乐进行了关联,可惜我们再也无法在未来看到来自这位女建筑师的作品了。

此外,Sonos 还很有艺术情怀的能让你在家中也感受这支沉浸式短片,他们提供了5.1声道下载和使用家庭影院播放的指南, ,前往Sonos查看。

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